Zaburzenie macierzy

uczestniczki to Katja Felle, Vita Kolar, Blaž Rojs

kuratorką była Sara Nuša Golob Grabner

Termin "post-internet" używany jest w dziedzinie sztuki i designu do określenia praktyk, które traktują internet i jego estetykę nie jako coś nowego, lecz jako wszechobecną część codziennego życia, całkowicie spójioną z naszym życiem fizycznym. Zazwyczaj postinternetowa estetyka podkreśla nostalgię za wczesną kulturą internetową, żywe kolory, idealnie przesadnie wyrafinowane obrazy lub odwrotnie, pikselowanie. Często celem tego rodzaju estetyki jest wywołanie nostalgicznej ironii związanej z konsumpcjonizmem (np. vaporwave), podkreślenie poczucia, że nic nie jest już po prostu zdefiniowalne i "prawdziwe" oraz podkreślenie nieskończoności Internetu, który przekracza możliwości i ograniczenia ciała biologicznego i czuwa nad nami jako wyższą siłą. Jedną z cech wyróżniających post-Internet jest błąd, który zyskał status specjalnego symbolu wizualnego we współczesnej sztuce. Rosa Menkam w swojej pracy The Glitch Moment(um) przedstawia na samym początku książki 8 zasad Manifestu Studiów nad Glitchem. W przybliżeniu, jak mówi, nieład reprezentuje niedoskonałość każdej próby doskonałości, możliwość odkrywania nowych kombinacji, katharsis przez dezintegrację i przede wszystkim akceptację faktu, że nic nie może się wydarzyć bez błędów, a błąd może być sposobem, w jaki każda forma mediów może zostać doprowadzona do krytycznego stanu hipertrofii, by krytykować jej wewnętrzną politykę. Właściwe jest użycie słowa hipertrofia, które zazwyczaj oznacza wzrost rozmiaru poszczególnych komórek, prowadzący do wzrostu tkanek lub narządów. Na tej wystawie obrazy rozszerzają się, migotają, wzmacniają i ożywają w pełni w jaskrawych kolorach. Prezentowani artyści poruszają się po post-internetowej estetyce z wizualnym nasyceniem, maksymalizmem i ucieleśnieniem nie-fizycznego poprzez fizyczny gest artysty. Wystawa pełni rolę mini-manifestu przeciwko wizualnej ciszy, oczyszczeniu i podziałowi na rzeczywistość online i fizyczną.

Na olejnych obrazach z serii Cloud Katja Felle przechodzi od wcześniej znanych, fragmentarycznych obrazów cyfrowych do abstrakcyjnego połączenia form i nieograniczoności przestrzeni cyfrowych. Całkowita płynność cyfrowej chmury nawiązuje do doskonałości technologii pamięci, która jednak bez mediacji i aktywacji ludzkiej pamięci i gestów jest utajona, celem samym w sobie i unosi się w przestrzeni międzyprzestrzeni, gdzie informacje płyną płynnie ze sobą przed ludzką interwencją. W ręcznym malowaniu obrazów ekranowych klasyczną techniką sfumato nieuchronnie dochodzi do błędu, który stoi w sprzeczności z idealną płynnością, do jakiej zwykle występuje okres, gdy treści cyfrowe są niematerialne (czas po kasetach, dyskietkach, płytach CD). Gobeliny, w przeciwieństwie do nich, komunikują się za pomocą pikselizacji, realizowanej przez wstawianie nici. Szum, błędy odtwarzania i niemożność jednolitego wyświetlania kolorów na ekranie są w dialogu z jednym z najstarszych gatunków sztuki i spowalniają prędkość przesyłania danych do tempa człowieka.

W dziedzinie obrazowania cyfrowego Vita Kolar stworzyła rozpoznawalny styl, który często powstaje równolegle z muzyką (elektroniczną). Wchodzi on do stworzenia przez atmosferę, która odzwierciedla nieskończone możliwości wzrostu, zmiany i nieograniczoności między warstwami, hałasami i kolorami. Każde stworzone dzieło może być punktem wyjścia dla nowej wariacji, do rekontekstualizacji obrazu zgodnie z uczuciem. W ten sposób obrazy nabierają niemal organicznej jakości i tworzą spójną opowieść w portfolio artysty, z niezliczonymi kanałami wirującymi w mistycznych cyfrowych pejzażach. Obrazy powstają z czysto malarskim podejściem do koloru, kompozycji, linii i stylistycznych wyróżnień artysty. Częściowo nostalgia za latami 90. ubiegłego wieku, gdy świat lśnił kolorami i dzikimi wzorami, a Internet eksperymentował z mnóstwem nowych możliwości wizualnej ekspresji. Oglądając dzieła Vity Kolar, trudno uniknąć synestezji, ponieważ motywy inspirowane są dźwiękiem, ruchami i fakturami, które otwierają drzwi do świata zabawy i żywiołowości.

Redukując i rekonstruując, Blaž Rojs tworzy częściowo mimetyczne dzieła, które przechodzą między abstrakcją a figuracją. Dotyczy fundamentalnego zjawiska współczesnej kultury wizualnej: zaniku dowodowej pewności. W jego obrazach nie ma rozróżnienia między źródłami rzeczywistymi a fikcyjnymi: zastanawia się, czy takie różnice w ogóle mają znaczenie. Poprzez wymazanie tych kategorii, jego obrazy odzwierciedlają subiektywną relację jednostki z prawdą, pamięcią i informacjami wizualnymi, które kształtują nasze codzienne życie. Patrzymy na obrazy przez pryzmat niedoskonałości i rozkładu. Centralne motywy są zalane fragmentami innych, częściowo zrealizowanych obrazów, które narzucają się na oryginalną informację i niweczą jej integralność. W niektórych miejscach informacje całkowicie tracą, pozostawiając ziejące przestrzenie. Portret można przedstawić jedynie jako zestaw odcieni w gamie kolorów CMYK i trudno go dostrzec przez katodową siatkę szumów. W pracy Rojsa ucieka stabilność, a wyłania się nowy, zbiorowy obraz świadomości, który traktuje rzeczywistość jako stały przepływ i zmianę poprzez swobodnie dostępny wpływ.